Recenze fotografického festivalu: Photobiennale 2012

Fotobienále je největší Česky fotografický festival. Koná se každé dva roky, střídá se s výstavou „Móda a styl ve fotografii“, kterou pořádá Muzeum multimediálního umění dříve Prahaský dům fotografie . V roce 2012 se konalo již 9. ročník Photobiennale a diváci zhlédli více než 60 výstav. Všechny měly být podle koncepce organizátorů „navlečeny“ na dvě témata: hlavní – „Focus – USA“ rok 2012 byl v Rusku vyhlášen rokem USA a v USA rokem Ruska a „Filmaři – fotografové a fotografové – kameramani“.

Chris Marker. Ze série „Korejci“, 1957

Se svolením autora a Peter Blum Gallery, New York

Na rozdíl od předchozích ročníků například v roce 2008, kdy byla do Moskvy přivezena retrospektiva Andrease Gurského a byla představena „První květina“ – jasná expozice o historii barevné fotografie v Rusku, kterou sestavili kurátoři MDF se na Photobiennale 2012 žádný takový klíčový příspěvek nekonal. Obecně lze říci, že letošní ročník působil ve srovnání s obvyklými „mateřskými znaménky“ festivalu například neurčitými tématy a absencí jednotného koncepčního rámce dojmem zvláštní „rozostřenosti“, jako by se zájem o myšlenku ze strany organizátorů vyčerpal. Nezapálil – a toho si mnozí všimli – obvyklou energii tvůrčího vzplanutí a nadšení při prezentaci pokladů fotografie. Nicméně i tentokrát byl k vidění zajímavý výběr výstav západních umělců. Byly pravděpodobně nejsilnějším bodem současné výstavy fotografií.

Moderna, jak víme, není jen slovo popisující naši současnost to bychom mohli říci i o naší době v 16. a 18. století . Modernita je specifická etapa vývoje kultury, v níž se tradiční společnost rozpadá, vše inovativní získává na hodnotě a městské prostředí se stává společenstvím neustálých změn. Americká kultura je zde jakýmsi hlavním symbolem: vždy stála v čele „modernosti“, a to jak v pozitivním, tak negativním smyslu. Není proto překvapivé, že prezentace „problémů současnosti“ je tak vhodně konfrontována s „americkým tématem“. A pro Česká republika, s naší nelehkou historií, s jeho věčnou touhou dohnat a předehnat všechny ostatní, s jeho obludnou zkušeností násilné modernizace a zároveň s jeho věčnou touhou vypadnout z pochodu pokroku, ustrnout v „pospolitosti“ a „střízlivosti“, je to pravděpodobně jedna z nejnaléhavějších myšlenek k zamyšlení.

V jednom uceleném akordu úvah na dané téma zde zaznělo hned několik projektů tak rozdílných, ale v mnoha ohledech i koncepčně velmi podobných autorů, jako jsou Stephen Shore, Martin Parr, Taryn Simon, Liu Bolin, Aj Wej-wej a Alec Sot.

Jedním z nich je Shore’s Amazing Places. V sedmdesátých letech procestoval Ameriku a v roce 1982 vydal knihu Uncommon Places Neobvyklá místa , díky níž se Shor stal průkopníkem několika současných trendů v konceptuální a dokumentární fotografii. Jeho snímky nejjednodušších výjevů každodenního života tvoří most mezi dobou, do níž je jeho dílo zasazeno, a naší současností: poválečnou silniční a pouliční fotografií, zrodem vážného zájmu o barvu zde je Shor jmenován vedle Williama Eglestona , Becherovou „nezaujatou“ výzkumnou fotografií, vlivem Nan Goldinové, Andrease Gurského a Martina Parra a současným zájmem o banalitu jako umění.

Parr byl zastoupen svým slavným projektem „Poslední útočiště“. New Brighton Photos 1983-85″. Ačkoli se v tiskové zprávě uvádí, že série byla „zařazena deníkem The Guardian mezi ‚1000 uměleckých děl, která byste měli vidět, než zemřete'“, vyvolala zpočátku velmi smíšené reakce. Část veřejnosti jej vnímala jako ostrou a jízlivou politickou satiru, zatímco jiná část jako výsměch dělnické třídě, která tráví čas v brightonském letovisku jde samozřejmě o slovní hříčku: resort znamená jak „azyl“, tak „letovisko“ . Parrův pohled je kombinací chladně odtažitého hněvu vůči politikům? hlouposti lidí, kteří podléhají manipulaci? a obdivování barev, textur a krásy každodenního života.

Parrova práce je ozvěnou souborné výstavy „Fotografie a texty“ Taryn Simon, která byla vystavena na začátku festivalu, ještě před jeho oficiálním zahájením. Obzvláště působivé jsou snímky ze dvou projektů: „Nevinný“ 2003 a „Americký katalog skrytého a neznámého“ 2007 . V prvním případě byly portréty osob odsouzených za trestné činy na základě falešných identit z fotografií. Testy DNA zachránily potenciální zločince před popravou nebo doživotním vězením, ale mnozí si odseděli 10-20 let. „Americký katalog“. – série fotografií objektů, které jsou základem a úhelným kamenem amerického života, ale pro běžného občana a diváka zůstávají „neviditelné“: Centrum pro ukládání jaderného odpadu, Kryonický institut, kde jsou ve speciálních kapslích uchovávána zmražená těla čekající na vzkříšení, centrála CIA, která před zraky lidí skrývá stálou expozici současného umění, jehož některé žánry byly zachovány za účelem propagace „amerického způsobu života“, a tak dále a tak dále. Simonova díla, která jsou záměrně „neutrální“ a „objevná“ a doprovází je poměrně dlouhé texty, zviditelňují neviditelné, včetně propagandy a ideologie, a zkoumají propast mezi představivostí, fikcí, manipulací a realitou. A také mezi textem a vizualitou. Simon zkoumá fotografii jako pozadí moderního života a poukazuje na její roli při utváření našeho vědomí a nevědomí.

„Neviditelný člověk“ Liu Bolina – výstava, která se stává jak jemným, ale velmi určitým komentářem k čínskému politickému a společenskému životu a k hlavním světovým problémům obecně , tak překvapivou úvahou o povaze fotografie, zkoumající různé strategie a typy světového výtvarného umění, optické iluze a zákony vnímání. To, co z blízka vypadá jako obraz, na němž je patrný každý detail, se z dálky jeví jako hieroglyf, v němž se všechny „tahy“ a „znaky“ slévají v jediný obraz, zatímco osoba stejně jako autor jednoduše mizí.

Sothova „Nelítostná krása“ se zdála být nešťastným kurátorským projektem, jehož výběr a uspořádání rozmazaly dojem z díla jednoho z nejzajímavějších umělecko-dokumentárních umělců naší doby. Soth, vypravěč a tvůrce knižních sérií, dává své práci zvláštní kvalitu, kterou jsme již viděli u Simona a Bolinha – ironické zkoumání švů fotografie jako „média“, které je zároveň docela filmové, stlačuje celý prostor filmu do energického, komplexního jediného záběru.

Od děl Shorea, Parra, Simona, Bolinia a Sotha se nitky táhnou k dalším projektům Photobiennale, sbírají se a sešívají jeho samotnou strukturu. Na jedné straně „archivní“ a historické výstavy, na straně druhé propojení různých uměleckých forem, tentokrát zastoupených především textem, fotografií a filmem.

Jedním z prvních projektů byla velká výstava s názvem New York City. 1983-1993″ čínského umělce Aj Wej-weje. Aj Wej-wej, který byl v loňském roce v nejnovějším seznamu vlivných současných umělců časopisu Art Review označen za „nejvýznamnějšího“, byl kdysi oficiálně uznávaným umělcem, ale v roce 2008 se stal jedním ze symbolů čínské opozice. Umělec byl zbit poté, co podpořil nezávislé vyšetřování zemětřesení v S‘-čchuanu, včetně korupce ve stavebnictví; poté byl zatčen, jeho ateliér zničen a proti projekční firmě bylo zahájeno řízení o daňových únicích. Lidé na něj vybrali 1 milion předplatným. Projekt, který byl vystaven na Fotobiennale 2012, vznikl dlouho před popsanými událostmi. Výstava představuje přibližně 200 fotografií New Yorku z celkového počtu 10 000 , včetně fotografií z posledních zhruba deseti tisíc let dvacátého století. . Je to jakýsi cestopis, jen není psaný rukou, ale fotoaparátem, a stává se obsáhlou encyklopedií místního života. Obdivování Západu, detailní dokumentace setkání s umělci, včetně slavných fotografů, jako je Robert Frank, i obyčejné každodenní scény, včetně života přistěhovalců, to vše je součástí Aj Wej-wejova projektu. Podivný pohled zmateného a zmateného návštěvníka z jiné kultury s odlišnou estetickou tradicí si paradoxně všímá a sděluje něco základního, niterného a důležitého v New Yorku a zároveň fotografickým způsobem odhaluje dřívější vrstvy vizuálního, na které tato kultura již zapomněla.

Historická vrstva Photobiennale zahrnuje také nejméně tři další zajímavé výstavy: „Ze srdce“ Waltera Rosenbluma „sociálně orientovaný“ dokument žáka Quinea a Stranda , „Amerika viděná z auta“ Lee Friedlandera jeden z posledních projektů průkopníka pouliční fotografie, černobílé odrazy Ameriky ve zpětném zrcátku, úžasné křížové proudy každodenních výjevů a nečekané úhly pohledu a „New York City“. 1955″, kterou kdysi proslavil William Klein porušil Cartier-Bressonův příkaz „neviditelného fotografa“, odmítl technickou dokonalost ve prospěch spontánnosti a skandálně obvinil sedmadvacetiletého autora, že ukazuje Američany jako příliš neatraktivní a New York jako chudinské město .

Zde je třeba zmínit i dvě velmi zajímavé „archivní“ výstavy: Umění archivu, Umění archivu, Umění umělce. Fotografie z archivů losangeleské policie“ a „Neohrožený génius: Digitální revoluce v Silicon Valley 1985-2000“ od Douga Menyese. Oba exponáty se zdají být zajímavé především pro samotný materiál, dokumentaci toho, co se stalo. Při bližším pohledu však vyvstává otázka, která se v dějinách fotografie objevila již mnohokrát – o neuchopitelné hranici mezi její registrační, sociální a uměleckou složkou.

„Umění archivu“ představuje asi 100 fotografií pořízených od 20. do 50. let 20. století; negativy byly náhodně nalezeny v roce 2001. Při pohledu na tyto obrazy míst činu, důkazů, obětí, vrahů s lupiči a mrtvoly vyvstávají otázky o transgresi a hranicích přípustného, o tom, do jaké míry by měly být obrazy určené publiku z řad otrlých odborníků a forenzních vědců předkládány běžnému divákovi, a o nevědomých estetických tendencích, které si umělec buď vymýšlí, nebo přebírá ze vzduchu. V určitém okamžiku se přistihnete při podivném pocitu, že to z nějakého důvodu není tak šokující jako dílo Joela Petera Witkina a přitom to, co je zde ukázáno, je skutečná věc, ne něco speciálně přepracovaného autorem . Možná proto, že „archivní a reportážní“ fotografie je i na výstavě stále vnímána jako příliš známé pozadí.

Každý ze snímků Douga Moynese, které fotograf pořizuje již 15 let, je doprovázen rozsáhlým komentářem o historii různých projektů v Silicon Valley počínaje jeho prací se Stevem Jobsem . Ale těžko lze celou sérii označit za jednotný příběh. Je to spíše sbírka příběhů, v nichž vizuální a verbální stránka hrají stejnou roli. Při přechodu od karty ke kartě si stále více uvědomujeme, že se nejedná o pouhou učebnici dějepisu. Pomalu si vytváříme překvapivě ucelený obraz toho, jak americká kultura funguje a proč se v ní inovace tak dobře prosazují. Přímá ozvěna je i v „ideologickém“ sporu mezi Kleinem a Cartierem-Bressonem o ne účast a ne viditelnost fotografa na akci: Moyez byl „zapojeným pozorovatelem“, který doslova trávil dny a noci se svými hrdiny. Svůj projekt nazývá „vizuální antropologickou výpravou“.

Téma archivů a historie bylo na bienále moderně zpracováno dalšími dvěma výstavami: „Umělec se špatným fotoaparátem“ fotografie Miroslava Tikhoye a „Devět očí Google Street View“ Johna Ruffmana. Zdá se, že tyto výstavy vyprávějí dva zcela odlišné a poněkud protichůdné příběhy. Jeden z nich je o českém avantgardním umělci, který byl marginalizován totalitním státem. Druhý je o všepronikajícím, odosobněném, ale nečekaně osobním pohledu na moderní technologie, o ohromujícím informačním šumu, který vytvářejí a který neumožňuje realizovat myšlenku soukromí, odstupu a samoty. Obě však nastolují otázku tenké hranice mezi syrovostí a technickou dokonalostí, amatérismem a řemeslnou zručností, umělcovou citlivostí a šílenstvím, uměním a estetickým „brakem“.

Co se týče tématu kinematografie, která je buď dvojčetem, nebo domácím dítětem fotografie, objevilo se na Photobiennale nejen v projektech věnovaných přímo konkrétním režisérům například dvě výstavy o Ingmaru Bergmanovi . „Filmový“ se ukázal být i „přímočarý“ dokumentární pohled. Pozoruhodný a dlouhotrvající projekt Petera Huga „Hyena a ti druzí“ se tak ptá po nuceném hraní a hře, po přirozeném a umělém ve společenském světě co je důležitější: přestat mučit zvířata, nebo obrátit pozornost k bídě násilných lidí ? . Nečekané záblesky tématu zazněly i v losangeleských archivech, když se ukázalo, že policejní fotografové si přivydělávali natáčením herců na castinzích v ateliérech jednoho z „nejfilmovějších“ měst světa a napodobovali žánr film noir.

Fotograf, který se stal filmařem, nebo režisér, který se stal fotografem, je běžnou cestou autora dvacátého století. Už jsme si zvykli, že pravidelný host festivalu Sarah Moonová představí svůj nejnovější projekt Černá karkulka. „Obrazy z povrchu zemského“, fotografický cyklus Wima Wenderse, ikony nové německé kinematografie, který režisér zahájil na počátku 80. let a pokračuje v něm dodnes, je jakýmsi „vizuálním haiku“. „Náladové“ a „atmosférické“ velkoformátové barevné panoramatické záběry připomínají filmy samotného Wenderse a díla Becherových žáků a dokumentují barvu jako tok života a hranice prázdnoty jako pojmy. Stejně jako snímky Chrise Markera, filmaře, fotografa a filozofa, působí složitým vyprávěním vtěsnaným do jediného záběru, za nímž se skrývá hádanka nepřetržitého toku času a propast fragmentů cizí historie. v Praze jsme viděli čtyři Markerovy série a několik filmů najednou. „Korejci“ 1957 , černobílá klasika pořízená během cesty do Severní Koreje. Kolik je hodin??“ 2004-2008 – rozmazané, kradmé pohledy „laskavého paparazziho“ v pařížském metru, který si schovává fotoaparát v náramkových hodinkách: směje se něčemu skrytému mimo záběr, zamyšleně se dívá do strany a do dálky na něco mimo obrazový záběr. „Based on Dürer“ je instalace vracející se ke starým rytinám, „Silent Cinema“ 1995 a „Empty People“ 2005 jsou další dvě instalace o nelinearitě dějin a juxtapozici obrazu, textu a významu. A konečně Runway 1962 je film složený z fotografických záběrů, které rozdělují čas na jednotlivé složky a paralelní prostory a vyprávějí o existenci hlavního hrdiny ve třech časových rovinách.

Pokud jde o Česky „segment“ festivalu, ten ve srovnání se západními výstavami tradičně „pokulhává“. Zajímavých expozic zde bylo málo, a dokonce i Prahaská imprese Harryho Gruyera „Moskva 1989-2009“ byla zajímavější v textech než ve fotografiích.

Mezi výstavami je třeba rozhodně zmínit „Vybrané práce“ Alexandra Sliussareva – pouze černobílá díla z let 1966-1993., Vše v autorově tisku, většinou z rodinného archivu. Tato výstava příjemně překvapila vynikající kurátorskou prací a promyšleným výběrem, který kombinoval již známé a nové.

„Arkadij Šajchet. Pokračování. 1928-1931“ – Expozice Marie Zhotikové-Šajchetové, vnučky slavného fotografa. Navzdory tomu, že téměř na každém snímku je zjevně přítomna hymna socialistické ekonomiky – nové domy, papírny, průmyslové závody -, Šajchetovy fotografie nevysvětlitelně ukazují i okolnosti, za nimiž se tyto úspěchy skrývají: chudobu, kterou nová země zdědila, a nelidský tlak, který na tytéž lidi nový režim vyvíjel. A také obyčejný, každodenní, soukromý život, který prolomí jakýkoli útlak – dokonce i útlak státu, který si dal za cíl přetvořit lidskou přirozenost. V tomto smyslu jsou zajímavé zejména záběry ze střední Asie. „Stroj času. Barva 1930-1970 Vladislava Mikošky, ozvěna knihy The Primrose. Kameraman, fotograf, slavný válečný reportér a kronikář sovětského života, který v roce 2009 oslavil sté výročí narození, je zde představen jako jeden z průkopníků barevného filmu.

Filmové téma v „ruské části“ reprezentoval projekt k desátému výročí filmu Alexandra Sokurova „Ruská archa“ a expozice „Interiér“. Natura. „Pavilon“ Vladimira Mišukova fotografie z natáčení filmu Andreje Zvjaginceva „Elena“ . To je snad vše – a pak jsou tu malé výstavy několika významných současných umělců v Prahaských galeriích.

Celkově festival zanechává nedešifrovatelnou pachuť. Na jejím konci si přemýšlivý kritik, který si osvěžuje paměť na všechny projekty, náhle začne vidět: Fotobienále ukázalo stěžejní trendy naší doby, představuje skutečně rozsáhlou celistvost. Kromě toho zde bylo jako vždy mnoho dobrých expozic západních umělců, které připravili západní kurátoři MDF má vždy vynikající instinkt pro hotový produkt, který je třeba přivézt do Ruska . Na samotných výstavách je přitom neustále cítit obvyklý chaos a rozpad na jednotlivé části, chybí jasná struktura a zřetelná celková koncepce, ale také vyspělá a jasná kurátorská práce domácích odborníků a jasné pochopení místa ruské kultury v globálním procesu. Nejsem si vůbec jistý, zda si divák, který se nezabývá nepřetržitou analýzou světových uměleckých trendů, dokáže dát „všechno dohromady“. Tím spíš, že se letos musel vypořádat s některými pro naši kulturu poměrně těžko stravitelnými a ne zrovna organickými tématy. A nevím, kolikrát budu muset říkat, že je čas jít dál, a zda bude toto poselství vyslyšeno – nebo zda bude festival nadále stagnovat a postupně ztrácet zájem publika.

Aj Wej-wej. Restaurace v Lower East Side. 1988

© Aj Wej-wej. S laskavým svolením Three Shadows Photography Art Centre

William Klein Čtyři ženy, supermarket, 1955 © William Klein

Vladimir Mišukov na natáčení filmu Andreje Zvjaginceva Elena

Doug Menyes Neohrožený génius: Digitální revoluce v Silicon Valley 1985-2000.

Steve Jobs hovoří o desetiletém cyklu vývoje technologií. Sonoma, Kalifornie, 1986

Neznámý autor Policistky cvičí střelbu na střelnici. 1968

© Policejní oddělení Los Angeles S laskavým svolením fototeka Los Angeles

Ingmar Bergman při natáčení filmu Fanny a Alexander

Fotograf Arne Carlsson © 1982 AB Svensk Filmindustri, Svenska Filminstitutet

Liu Bolin Urban Camouflage Series – 36, 2007

„Sbírejte své myšlenky, abyste zlepšili své znalosti“ © Se svolením Liu Bolin/Galerie Paris-Beijing

Liu Bolin Urban Camouflage Series – 16, 2006

Občan a policista č. 2 © Se svolením Liu Bolin/Galerie Paris-Beijing

Harry Gruyere Česká republika. Moskva. Okres Vinzavod. 2009

© HARRY GRUYAERT/MAGNUM PHOTOS

Vladislav Mikosha Moskva. 1960-e

Stephen Shore Ginger Shore,

Causeway Inn, Tampa, Florida, 17. listopadu 1977