Nevyzpytatelný Alexandr Kitajev a jeho Petrohrad

Výstava Alexandra Kitajeva v Centru fotografie bratří Lumiérů byla skutečnou událostí v kulturním životě Moskvy. Kitajev je jedním z předních petrohradských fotografů, organizátor a kurátor mnoha projektů a v poslední době také historik fotografie. V dějinách fotografických záznamů Petrohradu od dob Ivana Biankiho až po současnost zaujímá nepochybně své místo vytvořením jedinečného obrazu MĚSTA. Kitajevův hlavní a oblíbený námět, Petrohrad, je poprvé představen v tak velkém měřítku. Výstava představuje 130 originálních děl, která autorka vytvořila v průběhu čtvrtstoletí.

Luna. 1995 g.

Alexander Kitajev z rozhovorů, které poskytl v průběhu let:

„Existuje něco jako „řemeslník s více řemesly“, tedy člověk, který ovládá několik profesí. Ve fotografování jsem tak trochu „víceúčelový“.

„Mé profesní krédo se vyvinulo na základě dlouholetých zkušeností: „Nikdy nedělej to, co je dnes žádané“. Současnou práci považuji za příkaz, za násilí vůči svobodné tvořivosti, která by měla reagovat pouze na vnitřní hnutí duše.

„V jednu chvíli jsem si uvědomil, že fotografie ve mně pohltila všechno ostatní, že kromě červených a bílých částeček krve se moje krev skládá ze světlocitlivých halogenidů stříbra a že bez jejich neustálého vnímání nejsem životaschopný, že fotografie se stala mým způsobem života, mým způsobem vnímání a komunikace. Bylo to někdy v roce 1987.

„Fotoaparát by se měl stát prodloužením ruky a uvolnit hlavu, aby se mohla plně ponořit do tvorby obrazu.“.

„Petrohrad je pro mě nadčasový a snažím se zachytit neměnné duchovní jádro tohoto města jako člověka. Je to rozporuplné, ta osobnost.“.

„Portrétování nikdy nezmizí, protože každého člověka na této planetě zajímá především on sám, on sám v nabízených nebo domnělých okolnostech. Další věcí je, že portrét není vhodný pro rafinované intelektuální a formální postmoderní hry, které v dnešním umění vládnou. Pro mnoho umělců je nyní důležité co nejhlasitěji vykřiknout „Já jsem“!!!“. A nezajímá ho ani ozvěna. A v portrétu je umělec vždy na druhém místě, zatímco postava je na prvním místě. A portrét je adresován přinejmenším do zítřka. A portrét předpokládá přinejmenším zvládnutí řemesla, školy. A to vše není pro současné umění „aktuální“. A to je důvod, proč se dnes tolik umělců zdržuje malování portrétů. Jsem v zadním voze. „Aktuálnost“ v oblasti umění je pro mě nadávka.

Alexander Kitajev.Foto: Stanislav Chabutkin.

Ledová závěj na řece Moice. 2003 g.

– Alexandře, v posledních letech jste prudce omezil svou výstavní činnost, vaše samostatné výstavy se staly vzácností jako dovolená. Co pro vás tato výstava znamenala??

– Byly doby, kdy jsem měl několik samostatných výstav ročně, nehledě na to, že jsem se účastnil desítek skupinových výstav. Hodně jsem toho nafotil a vytiskl a chtěl jsem, aby lidé viděli plody mé práce. Nyní se stále více zabývám historií fotografie a výukou. Na pořádání vlastních výstav je stále méně času. Pokud mi však někdo nabídne výstavu a podmínky jsou přijatelné, přijmu ji. Tato výstava se skládá z několika sérií a cyklů fotografií z minulosti. Každá z těchto sérií byla nějakým způsobem mezníkem v mém životě, ale nikdy nebyly vystaveny všechny dohromady. Výstavu lze stěží označit za shrnutí, spíše za retrospektivu.

– Jste jistě jedním z nejznámějších Českych fotografů. Je taková popularita příjemná a jak funguje??

– Výraz „slavný“ se na fotografa téměř nevztahuje. Ti, kteří stojí za objektivem, jsou málokdy známější než ti, kteří stojí před ním. Možná je to specifičností této profese. Jak je možné nemyslet na architekty?? Jejich umělecká díla máme stále před očima, všichni je obdivujeme a těšíme se z nich, ale málokdo si pamatuje jejich tváře nebo jména jejich tvůrců. Stejné je to s fotografy: osvětlují a osvětlují svět kolem sebe, ale téměř vždy jsou ve stínu. Můžeme tedy hovořit pouze o velmi omezeném uznání, tj. uznání v rámci určitého okruhu lidí, jejichž profesní činnost je tak či onak spojena s „konzumací“ fotografie.

To, že jsem, jak říkáte, „slavný“ v určitém kruhu , má podle mého názoru dva zcela objektivní důvody. Fotografii se věnuji už velmi dlouho a došlo k přirozenému generačnímu posunu. A v každé komunitě nebo profesi musí vždy existovat nějaký autoritativní starší. To jsem teď já. Nejde tedy o můj zvláštní talent, ale o to, že jsem si zachoval svůj původní tvůrčí impuls a pocit sebe sama, autora, jako malého článku v nekonečné fotografické štafetě. No, druhý aspekt také souvisí s časem. Přibližně od počátku 21. století se s příchodem nové fotografické technologie otevřel prostor pro fotografování milionům lidí na celém světě. Mnozí z nich se chtějí ve svém koníčku zdokonalit a hledají někoho, od koho by se mohli učit, kdo by je vedl. Moje fotografie se líbí mnoha lidem – a proto jsem podle zákona velkých čísel slavný.

A co se týče „příjemného“ a „jak žít“, i zde, stejně jako u každé medaile, existují dvě strany. Protože jsem na očích veřejnosti, musím se dívat na spoustu fotek, většinou špatných. A nejen se na ně podívat, ale také o nich něco říct, vysvětlit, protože lidé za mnou chodí pro radu, pro pomoc, pro hodnocení. Je to vyčerpávající a otupuje to oči. Zároveň mi moje popularita umožňuje řešit mnoho problémů s menším úsilím a energií. Ať už jde o vyjednávání s kupci nebo o jednání s úředníky o výstavách.

– Jak v sobě vychovat umělce?

– Hodně záleží na výchozích podmínkách: rodina, společenské prostředí, místo narození atd. Narodil jsem se, jak se říká, v „prosté“ rodině. Moji rodiče jsou rolnické děti. Můj otec se stal automechanikem a matka zdravotní sestrou. Společenský okruh mých příbuzných tak neměl příliš podnětů k tomu, aby byl kreativní. Ale naučili mě, jak být pracovitý. V mládí jsem se kromě fotografování naučil spoustu řemesel. Metodická práce mě vždycky nezajímala a v každé profesi jsem něco vymyslel. Když se do popředí mého života dostala fotografie, uvědomil jsem si, že se nemohu učit umění, nikoliv řemeslům, aniž bych změnil svůj sociální okruh pracoval jsem jako obráběč kovů v továrně . Na počátku 70. let 20. století., Vstoupil jsem do jednoho z nejlepších fotografických klubů v té době v zemi, do Vyborského paláce kultury VDK . Byl to první krok. Později, když už jsem pracoval jako řemeslný fotograf v továrně, jsem věnoval hodně času a úsilí sebevzdělávání v humanitních oborech. Ještě jeden krok. V roce 1987 jsem se stal členem fotoklubu Mirror, kde v té době vzkvétala tvůrčí atmosféra. A pak jsem měl to štěstí, že jsem se seznámil a spřátelil s úžasným umělcem a polyhistorem Pavlem Potěchinem. A doplnil mé umělecké vzdělání.

Jsem přesvědčen, že titul umělce nemůže být sám o sobě titulem. Ve všech dobách a ve všech generacích fotografů se objevovali fotografové, jejichž díla se dostala do nemilosti široké veřejnosti. Jejich současníci je nazývali umělci, aby je odlišili od davu. Někde jsem říkal, že když jsem měl výstavy a slyšel jsem od návštěvníků svého bytu: „Podívejte, támhle je – umělec!“, nervózně jsem se rozhlížel, o kom to mluví? Ukázalo se, že jde o mě. Bylo to velmi neznámé. V dnešní době je to dost kompromitující titul. Řada univerzit a dalších vysokých škol vzdělává umělce ve stejném období jako inženýry a učitele na středních školách. Mnoho lidí, kteří si vezmou do ruky fotoaparát, si okamžitě objedná vizitku, na které je napsáno, že majitel je fotograf a umělec. Nechcete se k nim přidat. Mám pocit, že dnes už to tak není. Pojem fotograf-umělec nemá větší význam než výraz „cestující v tramvaji“.

– Abyste mohli fotografovat Petrohrad s takovou dojemností, musíte ho znát a cítit. Jak se utvářela vaše vize města??

– Jak vznikl?? Pokusím se vám o tom vyprávět, ale nemyslete si, že to byl záměrný úkol, který jsem si v mládí stanovil. Všechno se to stalo tak nějak samo od sebe. Vždycky jsem hodně četl a mnoho děl o Petrohradu, která vstoupila do pokladnice světové literatury, napsali velcí básníci a spisovatelé. Když jsem se podíval na ten či onen petrohradský objekt, ať už to bylo náměstí, ulice, budova atd. d., Něco jsem o nich už věděl z literatury. Ale vždycky jsem chtěl vědět víc – životopis subjektu, který mě zajímal: kdo byli jeho rodiče, kdy se narodil, jaká byla doba? Abych tuto zvědavost ukojil, musel jsem studovat historii Petrohradu a díky tomu i historii obecně, historii petrohradské architektury a architektury obecně, životopisy tvůrců a slavných obyvatel, a tedy i geografii. Samostatně ikonografie Petrohradu, tedy dějiny výtvarného umění. Je to celý komplex, nemůžu vám říct všechno. Pro mě je jedna věc jistá: Město formovalo mě i mou vizi. Možná jsem si ho vybral kvůli něčemu. A já jsem mu zavázán. Nevím, jak se to stalo, ale na rozdíl od mnoha svých krajanů nechodím na barikády v boji proti té či oné novince v Petrohradě. Vím, že „génius tohoto místa“ si poradí se vším, co mu není po chuti, ale se zbytkem si poradí Bůh. Myslím, že v tomto městě žiji už přes tři sta let, a vím, že žádný taktický zásah nemůže změnit jeho strategii. Je to on, město, kdo nás vlastní, ne my!

Při dokumentování vlastního města jsem nikdy neuvažoval o prodeji svých snímků a téměř nikdy jsem si je nenechal objednat. Sám jsem byl vždy klientem. Živil jsem se a tvořil jiným druhem užité fotografie. Myslím, že se to otisklo do mých obrázků.

– Můžete jmenovat obrazy, které skutečně začaly umělec Alexander Kitaev?

– Víte, že pracuji v různých žánrech? Dobře si vzpomínám na fotografii, po které jsem si řekl: teď můžeš fotit Petrohrad. To znamená, že jsem si uvědomil, že pocit Petrohradu, který ve mně žil, se mi podařilo vtělit do listu papíru s obrázkem Petrohradu. Bylo to kolem roku 1982, po více než deseti letech fotografování. Tehdy jsem v sobě vycítil – a okolí to ještě nevidělo – že se začíná rodit něco, co později kritici nazvali „Kitajevovým Petrohradem“. V jiných žánrech se stalo totéž. Až na to, že když jsem začal dělat fotogramy kolem roku 1989 , začal jsem okamžitě dělat něco, co se výrazně lišilo od toho, co v tomto žánru dělali moji předchůdci.

Joseph Brodsky jednou studentům vysvětlil, že básníkovo dílo je vždy dílem vývoje, výběrem, a že básník je něco jako Herkules. Jeho výkony jsou jeho básně. Není možné pochopit, co je Herkules, na základě jednoho, dvou nebo tří výkonů. Herkulesovi je všech dvanáct. Tak už to ve fotografii chodí: z jedné fotografie nelze poznat, jak daleko jste se dostali, ani měřítko fotografa. A není to nic herkulovského, když své vlastní činy nazýváte „výkony“..

– Je vaše dokonalé zvládnutí kompozice vrozeným pocitem, nebo výsledkem tvrdé práce a dlouholetých zkušeností??

– Ani jedno z toho. Zde souhlasím s Thomasem Mannem: „dovednost, pro kterou má člověk vnitřní potřebu, získá poměrně rychle“.

Fotografovat znamená bombardovat emulzi nebo matrici fotony. Toto bombardování není vždy cílené. Ale musíte to dělat alespoň po dávkách. Abyste nezasáhli mléko, musíte si osvojit dovednost složení. Pro obyvatele Petrohradu je možná snazší a rychlejší si tuto dovednost osvojit. Obyvatelé delty Něvy jsou obklopeni pozoruhodně harmonickým prostorem vytvořeným prvotřídními architekty a petrohradská muzea jsou plná mistrovských děl výtvarného umění, která jsou příkladem dokonalé kompozice. Od dětství je to všechno vychováváno v očích, chtě nechtě. Zbývá jen využít plodů této výchovy a zašpinit si ruce.

Podotýkám, že takzvané kompoziční zákony nejsou něčím jednou provždy objeveným, prostudovaným a doporučeným k povinnému používání, zaručujícím úspěch. Lidské oko je stále více vyzbrojeno a klasické pojmy zákonů kompozice byly formulovány již v počátcích výtvarného umění, v době jeho poměrně jednoduchého instrumentária. „Tón a perspektiva linie“, „rytmus“, „centrum příběhu“, „rozmanitost“ atd. p. – nikdo to nikdy nezrušil. Moderní umělec však používá ultraširokoúhlý nebo ultra dlouhý objektiv, fotografuje na infračervený film nebo nahlíží do neviditelného pomocí rentgenových paprsků atd. d. To vše rozbíjí obvyklé pojetí prostoru a tématu a vybízí nás k tvůrčímu zacházení s kompozičními pravidly a jejich přizpůsobení modernímu vidění člověka. Podle mého názoru se zákony kompozice objevují vždy až po vytvoření díla. Umělec nevytváří dokonalé dílo čtením učebnice, ale nasloucháním něčemu shůry. Přichází teoretik, dekonstruuje obraz, zvažuje ho, ohmatává, měří a vše uspořádává do úhledných škatulek. Pak napíše recepty na výrobu mistrovských děl.

– Neustálá snaha o dokonalost je honbou za něčím nemožným a nedosažitelným?

– Ne, nemám! Jen se z něj snažím vytěžit co nejvíce. Mám v sobě ladičku, a když ji poslouchám, vím, zda jsem jí dosáhl, nebo ne. Stejně jako v každé tvůrčí práci i zde existují dva aspekty: technika a samotné umění.

Z hlediska techniky je to takto. Víš, že stále pracuji v oblasti stříbrné technologie? A na rozdíl od digitálního neumožňuje udělat krok zpět. Celý proces stříbrné fotografie s povinnými vícestupňovými a nemomentovými cykly zpracování obrazu udává určitý rytmus života. Stříbrný 35mm film je vysoký pouhých pět stop. Ale pokaždé, když se s ním setkáte, padnete před ním na kolena. Musíte film správně exponovat a nemůžete ho „vyčistit“ a exponovat znovu. Nemůžete se projevit a neopravit, opravit a nevyprat, vyprat a nevysušit atd. d. Je to disciplinované. To nutí síly postupovat vpřed pouze směrem k ideálnímu, dokonalému negativu, protože druhá fáze bude zahrnovat vytvoření neméně dokonalého výtisku, pozitivu. I zde existuje mnoho jemností, odpovědností a úskalí. Zde je příklad. Práce s přírodním papírem vyžaduje vždy dvě ruce. To ví každý grafik. Grafici vždy cítili, a já jsem se to učil, papír, jeho strukturu a hustotu, jeho chování v podélném a příčném směru. Vždycky jsem oceňoval hmatový kontakt s ní. A jak urážlivé pro ně, a pak i pro mě, bylo nedbalé zpracování práce na papíře! Přijde kupující, jednou rukou vezme prostěradlo a je to, zaručeně se rozbije! Nemluvím o otiscích prstů… Hned vidíte: jste amatér s kapsou plnou papírů o oběhu.

To je jeden ze způsobů, jak se na to dívat. Druhá věc je, že fotograf, který chce být kreativní, musí ze sebe neustále ždímat asistenta v laboratoři. Ach, kolik mých kolegů si myslí, že dokonalý tisk je umělecké dílo, a zapomínají, že dílo není ani tak výrobek, jako spíše sdělení. Zobrazovací technologie jsou dnes tak dobré, že jsme zcela obklopeni technicky gramotnými fotografickými snímky. Pokud však něco zobrazují, odrážejí, je to většinou poněkud primitivní vnitřní svět tvůrce. A nedávají nic duši ani srdci náročného diváka. Zde si opět dovolím citovat Brodského: „Jedním z hlavních problémů, s nimiž se dnes básník, ať už současný, nebo ne, potýká, je to, že poezie, která mu předcházela – jinými slovy jeho odkaz -, je tak rozsáhlá, že je prostě otázka, zda k ní můžete přidat, modifikovat své předchůdce, nebo zůstat sám sebou. Myslet si, že po Cvetajevové, Achmatovové, Audenovi, Pasternakovi, Mandelštamovi, Frostovi a Eliotovi můžete říct něco kvalitativně nového.., – Znamená to být velmi svéprávný nebo velmi ignorantský typ. Já bych se zařadil do druhé kategorie. Když začínáte psát, víte jen velmi málo o tom, co bylo před vámi. Teprve uprostřed života získáte toto poznání, které vás přiková k zemi nebo zhypnotizuje.“.

– Při hodnocení vlastní práce věříte jen sami sobě?

– V posledních letech se snažím naslouchat jen sám sobě. O vnitřní ladičce jsem se již zmínil. Nebyla jsem s nimi zajedno, ale nechtěla jsem tančit podle cizí melodie. Ani nevím, co k tomu dodat.

Ale nemusíte vždy naslouchat jen sami sobě. Zde je příběh. Když jsem pracoval jako fotograf v továrně na stavbu lodí, rozčilovaly mě výrobní příkazy, které mě nutily zhotovit kopie aplikovaných fotografií na drahý stříbrný fotografický papír. Napadlo mě, že bych každý takový list papíru mohl využít k většímu efektu: vytisknout na něj nějaké umělecké dílo, nebo dokonce „netlennik“… Zvláště rozčilující bylo, když šlo o šíření elektrických schémat toho či onoho zařízení na ponorce nebo hladinové lodi. Koneckonců už existovaly lehké kopírovací a fotokopírovací stroje – rychlejší a levnější. Ale ne! Požadavky námořníků byly neměnné: pouze stříbrné otisky! Podíval jsem se na to a ukázalo se, že v agresivním prostředí zachovává obraz pouze stará dobrá stříbrná technologie, a proto pomáhá zachránit posádku lodi v nouzi. Když jde o přežití lidí v extrémních situacích, jak můžete argumentovat?? Jaké jsou mé umělecké ambice ve srovnání s životy lidí??

– Jak se vyvíjely vztahy s vašimi kolegy, byla tam touha po uznání??

– Různé fáze různými způsoby. Kdysi bylo jistě důležité získat uznání kolegů. A tady je důvod. Sovětští historici o fotografovi v předrevolučním Rusku psali: „Dmitrijevova tvorba se rozvíjela v obtížných podmínkách carské doby. Dnes lidé často říkají, že vyrůstali v nesnesitelných podmínkách „sovětského státu“. Pro fotografy byla „tvrdost podmínek“ umocněna naprostým neuznáním fotografie mezi uměleckými obory sovětskými institucemi. Ale to jsme si my fotografové nemysleli! Kromě toho jsme pracovali v informačním vakuu a znali a viděli jsme jen velmi málo z práce našich zahraničních kolegů, předchůdců i současníků. Takže jsme se museli učit hlavně jeden od druhého. Žádní další specialisté nebyli! To je zvláštnost domácí fotografické komunity. Vzpomínám si na příliv galeristů, kurátorů a uměleckých kritiků ze Západu, kteří se od svých Českych kolegů snažili získat informace o naší současné fotografii. Byli ohromeni: „Cože?? Fotografie od? Takoví umělci neexistují?“. Takže fotografické umění, stejně jako sex, nemohlo v sovětské zemi existovat..

Pak přišly jiné časy a jiné postoje. Nějak se ke mně dostalo i uznání mých kolegů. Z vlastní zkušenosti vím, jak těžké je udržet si jasné vnímání a ocenění práce starých přátel a známých. Chci odstup. Pak alespoň trochu jako vnímání podle absolutní hodnoty.

Petersburg. 2005 g.

Stromy. 1992 g.

Ústí ulice Garden Street.1995 g.

Autoportrét s dětmi. 1995 g.

Březen. 2008 g.

Obtokový kanál. 1995 g.

Pickalov most. 2003 g.